EL AMOR LÉSBICO EN LA HISTORIA DEL ARTE.

Les Deux Amies.
Frédérique Barbier (196-?)

La representación de la mujer se remonta a la prehistoria. Desde que los humanos descubrieron el poder del trazo, de la línea y del color, comenzó el periplo de la imagen femenina, el cuerpo femenino se hizo objeto de deseo, pero siempre bajo la mirada y la perspectiva masculina; en ese sentido la Historia del Arte ha forjado la representación de la mujer y su realidad siempre desde la masculinidad. La mujer en el arte es una visión del hombre, su representación que es mucha, están silenciadas por la ejecución del macho patriarcal y las pocas mujeres que tuvieron la valentía de pintar su cuerpo y sus realidades estuvieron atadas por los convencionalismos y directrices de un mundo hecho por el hombre.

La obra de arte, o mejor dicho una obra de arte no es un elemento neutral e inocente, una obra de arte es un poderoso instrumento de ideología, una obra de arte es un testimonio cargado del pensamiento que refleja su época y habla muchísimas veces, por no decir toda, del discurso dominante en la sociedad en que fue creada. Y muy a menudo la Historia del Arte presenta conceptos como si fueran la única verdad, enuncia verdades como absolutas cuando en realidad reflejan tan sólo una perspectiva concreta, que es  el pensamiento del hombre blanco. La Historia Universal nos presenta lo masculino como la norma del género humano y lo que es peor de todo lo masculino y lo femenino visto desde el ángulo reprimido del rancio machismo.

Las Tres Gracias.
Rubens. (1577-1640)

Atenea y las Musas.
Jacques Stella (1596-1657)

El Rapto de Europa.
El Veronés (1528-1588)

Con toda la retahíla presentada con anterioridad la representación de la mujer en el arte o en las obras de arte han sido sujetas a la visión masculina y más específicamente las de las parejas de mujeres, las lesbianas han sido representadas más para el morbo masculino que para el placer de la mujer, obviamente se repite el ciclo del arte hecho por el hombre, a su gusto y a su único propósito.

El amor lésbico y su representación han sido representados con cierta ambigüedad y da pie a invariables o subjetivas interpretaciones, tal como es el caso de las figuras que apelan a la mitología, como Diosas guerreras o como las imágenes de amigas o hermanas que intimidan con purísima  inocencia, no obstante estamos frente a un velo impuesto por los pintores y sus historiadores y en ciertos casos el puritanismo de los mismos espectadores se niegan a ver la realidad de la obra. Muchas de las obras creadas en el Renacimiento sobre Diosas griegas y romanas están cargadas de una fuerte libertad sexual donde el amor lésbico es su protagonista.

Las Bañistas
Jean-Honoré Fragonard (1732-1806)

Diana Cazadora.
Francois Boucher.  (1703-1770)

Leda y el Cisne.
Francois Boucher (1703-1770)

Gabrielle d'Estrée y la Duquesa de Villars.
Escuela de Fontaneibleau. (1530-1570)

Atenea con sus Musas
Frans Floris. (1517-1570)

A partir de la representación visual de las mujeres en el siglo XIX, el tópico de las supuestas “amigas” concibió una gran cantidad de representaciones visuales de mujeres juntas en actitudes eróticas o de ternura romántica e intima como en los casos de los baños o toilettes y las bañistas así como otras donde el deseo es visto desde un punto de vista masculino como voyeur y que refleja la idea masculina y su morbosa y fantástica forma de ver a las lesbianas, sean en parejas o en grupos. El tema lésbico existe desde una mirada masculina diferente a la femenina, y están construidas desde el punto social del deseo aceptado por aquella sociedad imperante. Sin embargo se hace un poco más visible la existencia del lesbianismo o las lesbianas (que es tan antiguo sino remitámonos a Safo) en un mundo o una sociedad que por lo general siempre las han negado.

Les Deux Amies.
Jean-Jacques Lagrenée (1739-1821)

El Baño Turco.
Jean Auguste Dominique Ingres. (1780-1867)

The Bower Meadow
Dante Gabriel Rossetti. (1828-1882)

Les Deux Amies.
Felicien Rops. (1833-1898)

Bañistas.
Henry Fantin-Latour. (1836-1904)

Les Deux Amies.
Henri de Toulouse-Lautrec. (1864-1901)

Con el pasar lento de los años, pero más de las mentes de los hombres, han aparecido más obras, realizadas tanto por artistas masculinos  como por mujeres artistas, que también se han sumado a reflejar el amor lésbico, y que son sumamente interesantes dado su valor artístico, pero además también por su valor social como testimonio de una forma de amar tan válida como cualquier otra.

La Siesta.
Gustave Courbet. (1819-1877)

Bañistas.
William-Adolphé Bouguereau. (1825-1877)

Bañistas.
Pierre Auguste Renoir. (1841-1919)

El descanso.
Louise Breslau. (1856-1927)

Afrodita.
Georges Barbier. (1882-1932)

Les Deux Amies.
Albert Marquet. (1875-1942)

En este pequeño artículo intento dejar evidencia visual sobre el tema de cómo han visto los artistas al amor lésbico, a parejas de mujeres, amantes y amigas a través del tiempo. No pretendo ser muy exhaustivo, no obstante mi investigación pretende abrir los ojos y estimular a mis lectores a seguir revisando e indagando sobre el amor divino de “Mujer contra Mujer”, como dice la hermosa canción de Mecano.

Amies.
Tamara de Lempicka. (1898-1980)

Les Deux Amies.
Pablo Picasso. (1881-1973)

Gerda and Lili.
Gerda Wegener. (1886-1940)

Sin título.
Gerda Wegener. (1886-1940)

Dos Mujeres
Egon Schiele. (1890-1918)

Amigas.
Gustav Klimt. (1862-1918)

Amigas.
Richar Geiger. (18870-1945)

Amigas.
Julius Pinkas. (1885-1930)

Dos Amigas.
Roland Gaubert. (1914)

Une Soule Chair.
Enrico Colombotto Rosso. (1925)

Amigas
Irit Ravinovitz. (1969)

En la actualidad muchos artistas, y en especial  mujeres dedicadas al arte, han dedicado al amor lésbico su temática principal de trabajo, tal vez como una forma de representar libremente su sexualidad, tal vez para mostrar la belleza de ese amor que es tan fuerte en su forma genital como espiritual, o como simple "capricho" para desobedecer y alterar lo que por mucho tiempo ha sido motivo casi exclusivo del hombre y del   anacrónico machismo.


Por Félix Esteves

LA TETA DE LA VIRGEN O LA MADONA EROTIZADA

Virgen de Melun.
Jean Fouquet (1420-1481)

La representación de la Virgen amamantando al Niño en el arte occidental es tan temprana desde que la Iglesia identifica la maternidad de la Virgen y la coloca como madre de la cabeza mística de la Iglesia. Pero la imagen de la lactancia de un Dios es tan antigua como desde que el mismo hombre creo la religión, así vemos a diosas madres lactantes en las culturas mesopotámicas, egipcias, hindúes y griegas, por ejemplo en Egipto Isis amamantó a Horus y en Grecia Hera amamantó a Heracles y con la leche que manó de su pecho se formo la Vía Láctea”

Isis amamantando a Horus.
Museo del Cairo.

Virgen de la Leche en la Catatumba de Priscila. s. II

Todas esas imágenes de diosas alimentado a sus hijos fueron asimiladas por el cristianismo y como tal fueron expuestas y representadas en el arte. Quizás la primera representación de la Virgen de la Leche – también llamada Virgen Galactofructosa, Virgo Lactans o Virgen de la humildad, aunque esta última acepción es otro canon – la encontramos en el cubículo de la Velatio de la catatumba de Priscila en el siglo II. Igualmente en el Egipto ya cristiano o copto el tema de María lactando a Jesús era muy difundido y se encuentra representado en murales de los conventos de Bawit y Saqqara.

Virgen de la Leche. 1340
Lippo Memi.

Virgen de la Leche. 1370
Paolo de Giovanni Fei.

Desde entonces la imagen de la Virgo Lactans es expuesta con naturalidad, y empiezan a surgir infinidades de la hermosa imagen. En las múltiples representaciones María se presenta sentada en el suelo o sobre un almohadón, sentada en un trono rodeada por santos y ángeles, de pie o, en algún caso, arrodillada mientras alimenta a su Hijo. Generalmente la Virgen está con gesto melancólico o con la mirada perdida tal vez intuyendo el futuro de su hijo que morirá en la cruz. En muchas representaciones el niño coge el seno de su Madre con su mano para succionarlo o ella se lo ofrece aunque se muestra completamente vestida. Unas veces el seno virginal apenas se asoma por una hendidura de su vestido y en otras representaciones se muestra el pecho explícitamente.

Virge de la Leche. 1485
Ambrogio Bergognone.

Virgen de la Leche. 1410
Antonio Peris

Virgen de la Leche. 1480
Cosimo Roselli.

Durante los siglos XIII y XIV fue un tema iconográfico difundido ampliamente en el arte italiano, donde la tipología de María se acerca a los iconos bizantinos y los primitivos flamencos fue un tema muy generalizado aportando variantes iconográficas como la Virgen con el seno descubierto y el Niño sentado en su regazo de frente al espectador o dándole sopas, como en la obra de Gerard David (Museos Reales de Bellas Artes, Bruselas). Durante la Contrarreforma esta iconografía mariana que durante los siglos XV y XVI se había caracterizado por mostrar de manera muy generosa los senos de la Virgen, fue desterrada de los templos por considerarla desvergonzada e insolente.

Sandro Boticelli y su Virgen de la Leche de 1485.

La madonna del Latte de Leonardo da Vinci. 1510

La madona dando el pecho al niño o la virgen de la leche es un motivo más extenso en imágenes de lo que en principio parece, las iglesias y museos están repletos del icono mariano y su hermoso seno, no obstante los manuales turísticos y guías de las iglesias y museos no coligen y reseñan sus imágenes en una especie de prejuicio. De igual manera las investigaciones realizadas con los rayos x están descubriendo, multitud de repintados que convirtieron el pecho de la virgen en un pan, una rosa o cualquier objeto tapando el pecho.

Virgen del Limon. s. XVI
Van Eyck

La figura de la madona con el niño, es la línea principal que explica el paso del románico al gótico y de este al renacimiento. La apertura de pensamiento liberal frente al medieval, en los lugares, va, evidentemente, históricamente, paralela a la apertura del escote de la virgen María. Verosímilmente, el móvil y el impulso pictórico, más que pintar la virtud espiritual del pecho virginal alimentando al niño, era enseñar un hermoso seno de una mujer bella y joven.

Alberto Durero nos entrega una Virgen de la Leche, que acentua la
pureza de la madona con el naranja de su vestimenta. 1520.



El Greco también fue seducido por la Virgen de la Leche en 1595.

 Pero la Virgen de la Leche como tuvo y tiene muchos seguidores también tuvo sus detractores y enemigos. Mientras las iglesias y los aristócratas y las coronas se convirtieron en los grandes guardianes y expositores de bellos San Sebastianos, del desnudismo erótico de Adanes y Evas, de rosados y turgentes senos de frágiles y bellas vírgenes todos disfrazados bajo el manto de la espiritualidad y religiosidad, también de la sacrosanta y retrograda iglesia aparecieron los que denigraron y cuestionaron de las imágenes de los santos que mostraban características muy “humanas”, es decir erotismo. La inquisición quemó y destruyó infinidades de obras y entre ellas muchas vírgenes y sus pechos. No obstante el amor al arte de muchos hombres de iglesia y de los grandes mecenas salvaron la mayoría de los santos erotizados.

Una recatada Virgen de la Leche por Zurbarán. 1658.

La "Virgo Lactans" de Pompeo Batoni. 1760

Posterior a la inquisición y a finales del siglo XVIII los artistas y los que pagaban por las obras perdieron el interés por la Virgen de la leche, porque lo que era prohibido dejó de ser prohibido y ya en el siglo XIX el desnudo es motivo de los grandes salones y galerías, y para que pintar una virgen y su seno si se puede pintar una de cuerpo completo.

Por Félix Esteves

"LA VENUS DEL ESPEJO" DE VELÁZQUEZ: La gran división del arte erótico español

La Venus del Espejo.
Diego Velázquez. Entre 1647 -1651.
Oleo sobre Lienzo. 122 x 177 cm. Barroco.
National Gallery de Londres, Reino Unido

La elegancia y la belleza que se desprenden de esta obra de Velázquez son indescriptibles. El autor pinta un bellísimo y sensual cuerpo en una preciosa postura sobre unas telas, blanca por debajo, y de un intenso azul oscuro casi negro por encima, contrastando con el tono níveo y nacarado de la mujer realzando su belleza. El pintor sevillano coloca a una mujer de belleza palpable, de carne y hueso que además resalta de una manera lujuriosa y carnal gracias a la gran cortina roja que le suma un fuerte erotismo a la obra. Lo único que nos indica su relación a lo mitológico es Cupido (dios del amor) que sostiene el espejo donde se contempla la modelo y en el que se aprecia su rostro algo distorsionado, produciéndose con este efecto una visión total de la diosa aunque la miremos de espaldas. Cupido tiene las manos atadas por un lazo de cinta rosa que está sobre el espejo, aludiendo tal vez a la atadura del amor que somete a la belleza.

A pesar que es un cuadro que los historiadores del arte han catalogado en el género mitológico, para mi es más que eso, es una pintura netamente erótica, la Venus recostada es una simple distracción para disfrazar el hecho venéreo o de deleite sexual implícito en la obra. La interpretación del cuadro es compleja como corresponde al gusto barroco – en el barroco todo es exquisitamente complicado - así el propio Velázquez aborda la pintura mitológica, humanizando el mito o lo que podría ser aún mejor, toma la necesidad lasciva y sensual de lo humano-erótico y lo mitifica. Velázquez disfraza a la mujer, a la sensualidad femenina de diosa para esquivar y engañar la ridícula e hipócrita censura de la época.

Autorretrato.
Diego Velázquez. 1645
Oleo/Tela. 104 x 83 cm. Barroco
Gallería degli Ufizzi, Italia.

Pero la obra “La Venus del Espejo” no sería lo suficientemente buena si sólo se queda en lo mero erótico, magistralmente el pintor nos expone la dualidad entre la realidad y la vanidad cuando descubrimos que la belleza del cuerpo se contradice con la vulgaridad real del rostro, expuesta inhumanamente por el espejo. Toda esta dual simbología ligada al Cupido atado nos narra deliciosamente la permanencia o la unión existente entre el amor, la belleza, la vanidad y la verdad.

Este hermosísimo cuadro al óleo aparece en el siglo XVII o lo que es llamado el “Siglo de Oro” en una España que a pesar de la crisis económica y política vive un periodo de esplendor cultural y artístico. Los pintores son por lo general contratados por las iglesias, ya que los nobles y la Corte española prefieren a artistas extranjeros. No obstante el talento de Velázquez es admirado en España no sólo por los curas y hombres de la Santa Iglesia si no también por la realeza, entre ellos Gaspar Méndez de Haro, Marqués de Eliche, gran coleccionista de arte erótico y quién según los teóricos y estudiosos del arte le pide al pintor el encargo de inmortalizar a una de sus amantes.

“La Venus del Espejo” es dentro de la historia del arte español una cierta anomalía, no sólo por ser el único desnudo de Velázquez, o por su original diseño y técnica, o porque es uno de los pocos trabajos eróticos que sobrevivió a la fuerte censura católica española de su época, sino que además viene a preceder a muchos otras obras de carácter erótico en el arte español, podemos decir que a partir de “La Venus del Espejo” el arte erótico de España se vio y se ve de otra forma, este cuadro viene a dividir el erotismo español en la pintura en dos grandes períodos: Antes y Después de Velázquez.

Por Félix Esteves

EL TRIUNFO DEL EROTISMO EN EL ARTE.

LA DOULEUR, 1902-1903. Pablo Picasso.

La  obra erótica aquí  presentada  muestra a un joven  Pablo Picasso  con una corista o

prostituta en plena intimidad, acostado y adoptando una pose al más puro estilo Goya.

El propio artista negó la autoría de su obra por considerarla poco hermosa. Pero a pesar

que no es una de las obras más representativas de Picasso, el Museo Metropolitano de

Arte de New York la revelo  al público en  una exposición dedicada  al ilustre pintor el 19

de Abril del 2010.  Dicha  obra ocasiono cierta controversia y molestia entre los sectores

más puritanos y moralistas de la ciudad norteamericana.

Durante toda su historia el arte ha sido motivo de censura. Pero quizá los temas más controversiales y que más se han censurado o prohibido en el arte son aquellos que tienen que ver con el erotismo o lo obsceno. Tal vez lo más interesante es que no hay ley que aplique censura al arte, muchas veces gobiernos despóticos y autocráticos son los que determinan lo que puede ver el público, sin embargo en su mayoría es la misma sociedad la que elige o reprocha ciertos temas o tópicos en el arte.



DESNUDO, 1912-1918? Egon Schiele.
La trabajo de Egon Schiele estuvo siempre sometido a la censura de
la  época,  los motivos  fueron la utilización  de niños  y niñas  como
modelos  para  su obra.  Muchos  de sus dibujos  fueron  quemados
después  que fue encarcelado.   Todavía ciertos obras de este pintor
generan escandalo en la sociedad. 




CALLE CON BUSCONA DE ROJO, 1914-1925. Ernst Ludwig Kirchner.
El artista fue siempre sometido a la censura de la sociedad en que vivio,sin embargo
la peor  de las censuras la gano con el  gobierno Nazi  que prohibio su trabajo y hizo
desaparecer la casi totalidad de su obra. Esta bella pieza pertenece a la colección del
Museo Thyssen-Bornemisza en madrid



La censura tiene que ver con la época; el comportamiento de la sociedad va cambiando con el tiempo y en la medida que este crecimiento o cambio sea progresista o no, algunos temas serán aceptados y otros reprimidos. Por lo general, el erotismo es el más censurado, y esto se debe en que la sociedad crea tabúes, y son estos tabúes los que no permiten que sean aplicados en el arte.


EL ORIGEN DEL MUNDO, 1866. Gustave Courbet.
Esta controversial obra desde su presentación fue motivo de escandalo, lo que motivo ha que estuviera "escondida"
en colecciones privadas. En 1977 cuando estuvo disponible al público, los curadores de una exposición retrospectiva
sobre el autor se negaron exponerla.  Hoy en dia el Museo de Orsay la exhibe bajo una estricta vigilancia debido a las
reacciones de los espectadores y a las represalias de los sectores más conservadores y fundamentalistas. La obra en
cuestión acaba de ser motivo de una nueva censura por parte de la red social Facebook.





LA CLASE DE GUITARRA, 1934. Balthus.
Este erótico cuadro sugiere que para iniciarce en el estudio de la guitarra es necesario conocer los
misterios y  placeres de la carne.   La obra fue expuesta por vez  primera en una pequeña galeria de
Paris. En 1984 su exposición fue prohibida en una retrospectiva que se hiciera el Centro Pompidou
dedicada a su autor.  En la actualidad muchos se sonrojan y hasta maldicen la sensualida expuesta
con cierto descaro en ella. La polémica obra pertenece a una colección privada.



Un ejemplo de arte, censura y evolución social, es que en la antigüedad griega y latina el desnudo era común y apreciado, sin embargo con la llegada del cristianismo la sociedad cambio y el desnudo y el erotismo fueron relegados y censurados. Los artistas tuvieron que luchar contra la iglesia, máximo poder de aquellas épocas para imponer sus obras, claro esto fue un proceso lento hasta que la sociedad y el poder aceptaron los temas impuestos por los artistas.

DIBUJANDO CON ROSARIOS, 2005? Marcia X.
La obra  de esta  artista  brasileña  fue censurada  por los
organizadores de la exposición "Erotica-Los sentidos del
Arte" en el 2006.   El trabajo fue retirado de la exposición
debido  a la presión  de un  grupo  católico  que amenazo
a la institución bancaria que promocionaba la exhibición.



EL BESO, 1898-1900. Auguste Rodin.
La escultura de Rodin tuvo muy buena acogida en París
en su primera exhibición. Sin embargo una copia que fue
realizada por el autor a pedido de un coleccionista inglés
fue censurada durante la "I Guerra Mundial", ya  que las
autoridades de entonces alegaban que podía perturbar a
los soldados al contemplarla.

 Desde Miguel Ángel hasta Marcia X, desde Tiziano hasta Balthus, desde Courbet hasta Mappletorpe, ha sido mucha la tinta de reproche, los escándalos, y los saboteos por parte de algunas instituciones de la sociedad por prohibir su arte y cohibir o atenazar sus ideas, sin embargo el erotismo siempre sale triunfante, y es que lo erótico, lo sensual y sexual esta implícito en el hombre, somos seres “eróticos” y quizás esta característica junto con el raciocinio y el humor son las que nos separan de los animales.



LA CREACIÓN DEL ADAN, (Detalle), 1511. Miguel Angel Buonarotti.
Los desnudos realizados por Miguel Angel fueron sometidos a la censura papal, muchos de ellos fueron vestidos
o cubiertos con mantos de purezas, no obstante el triunfo de la osadia del artista prevalecio y aún se muestran
los cuerpos de Dioses, hombres santos y paganos en su bella desnudez.

 Es razonable que el erotismo y lo sexual no sea en su totalidad del agrado de ciertos componentes de la sociedad, porque muchos tabúes sexuales prevalecen en el inconsciente del colectivo, pero debe existir un respeto y tolerancia al artista y a su obra. El Arte esta poblado de hermosos desnudos y de situaciones eróticas que en su momento no fueron bien vistas o aceptadas, sin embargo el tiempo ha dado su veredicto y aún podemos disfrutar de ellos a pesar que muchos o algunos no llegan a comprender y aceptar.

Por Félix Esteves