TAMOTSU YATO Y LA REVELACIÓN DE LA BELLEZA DEL MODERNO SAMURAI.

Tamotsu Yato fue un fotógrafo nipón que trabajó en Japón desde mediados de los 60 a los 70, las imágenes creadas por él de los hombres japoneses fueron únicas en su tiempo y a pesar de su corta carrera logró captar con su lente gran cantidad de hermosas imágenes del hombre japonés. Su furia e entusiasmo con la cámara lo llevo a fotografiar a los amigos, amigos de los amigos, jóvenes en competencias de culturismo, a hombres en festivales tradicionales folklóricos, a modelos profesionales y no profesionales… el objetivo  del cuadrangular de Tamotsu Yato era la masculinidad nipona de la floreciente cultura urbana de Tokio.

Con el tiempo,  su trabajo fotográfico fueron publicados en tres libros: "Jóvenes Samurai", "Festival Naked" y "Otoko",  este último fue inspirado en gran medida por la estrecha amistad del fotógrafo con el novelista Yukio Mishima. 

Las fotografías de Yato, el retrato de la masculinidad japonesa, fue claramente contraria a los estereotipos imperante en el Japón, fue absolutamente contemporánea, y estaba muy lejos de parámetros establecidos por los japoneses de su tiempo. Su muerte en 1973 interrumpió una investigación fotográfica comprometida a profundizar en un territorio pocas veces tocado por un artista.

La fecha exacta del nacimiento de Tamotsu es incierta y varía en el rango 1924-1928. Nació en Nishinomi, un suburbio de Osaka, la costa sureste de Japón. Pocas veces hablaba de su familia, hacía mención de su madre, pero de su padre jamás habló, según los entendidos es probable que su homosexualidad haya sido el motivo de su alejamiento y en especial el desprecio del padre. Por esta razón Tamotsu cambia su verdadero apellido, Takada, por Yato, quizás por el deseo de "proteger" el nombre de su familia una vez que sus fotos se publicaron, o como puede ser el caso dado de la dinámica familiar, de alejarse de su familia. También hay un hermano misterioso que hace su aparición después de la muerte de Tamotsu. El hermano al parecer prohibió cualquier publicación futura del trabajo Tamotsu.

Tamotsu desde muy joven tuvo inclinaciones homosexuales, en 1956 intenta suicidarse por el desprecio familiar que lo habían corrido del hogar. Ese mismo año conoce a un editor inglés en un bar gay, Meredith Weatherby (1914-1997), el flechazo del deseo fue inmediato, y Tamotsu  fue a la casa con Weatherby y permaneció con él hasta que 1970. 

Weatherby influencio a Tamotsu a estudiar y que encontrará su pasión en la fotografía, este fue su asesor y financió todos los trabajos del joven japonés. La relación que mantuvieron fue abierta, era normal los tríos y orgias, pero a pesar de ello siempre estuvieron juntos y sólo la tragedia los pudo separar. Durante esos días Weatherby trabajaba en la traducción al inglés de un libro de el escritor gay Yukio Mishima, este se hizo visitante frecuente a la casa de Tamotsu y Weatherby, convirtiéndose la casa en una especie de salón de belleza artístico-intelectual, donde la élite del mundo cultural se reunieron. 

Yukio y Yato se hicieron buenos amigos y Tamotsu tomó muchas fotos del novelista prominente. Fotos de Yukio se encuentran tanto en "Jóvenes Samurai" y "Otoko". Y Yukio escribió las introducciones de "Festival Naked" y "Jóvenes Samurai". A mediados de 1960 cuando Tamotsu ya estaba fotografiando "Festival Naked"  se encontró con el libro de George Rodger sobre la fotografía de los luchadores de Nuba. En el trabajo de Rodger Tamotsu encuentra la inspiración para su libro "Jóvenes Samurai”, y empieza a desarrollar su pasión por la fotografía de hombres con cuerpos atléticos y musculosos.

Dentro de pocos años, Tamotsu floreció en la escena artística. "Samurai jóvenes" apareció en 1966-67."Festival desnudo" se estrenó en 1968-9. "Otoko", publicado en 1972. (Las fechas dobles indican Japón y publicaciones de EE.UU.). Durante este período, Tamotsu también fue el fotógrafo oficial de la escena japonesa de "Tora Tora Tora", una película épica sobre la derrota de la armada japonesa por la flota del Pacífico de EE.UU. Pero también durante este período de años cortos seis años, el año 1970 se convierte en un punto de inflexión. Yukio Mishima comete seppuku (harakiri) y Weatherby rompe con él,  y Tamotsu se muda a un apartamento en un distrito pobre de Tokio.

Tamotsu empieza a beber en exceso y su carácter empieza  a fluctuar entre la depresión y la ira por sentirse abandonado y a la deriva por sus dos mejores amigos, sus mentores intelectuales, emocionales y artísticos; y en caso de Weatherby, Tamotsu pierde a su amante de 14 años. Tamotsu muere en plena soledad en 1973.

Para entender mejor la importancia del trabajo de Tamotsu Yato, hay que considerar que antes de 1964 ningún libro de la fotografía que se le parezca ni remotamente había sido publicado en Japón. Ni siquiera después de muchísimos años todavía no ha aparecido un libro de fotografías comparables a los realizados por Tamotsu Yato en el Japón. La exposición de los cuerpos desnudos en una colección era totalmente inconcebible: todavía hoy no está totalmente aceptada en la cultura japonesa que un hombre debe estar orgulloso de su masa muscular y exhibir su cuerpo pulido con tanto exhibicionismo. "Samurai jóvenes" fue una revolución en la fotografía japonesa y en la autoestima de los jóvenes japoneses. 

Tamotsu Yato reveló al mundo la escondida belleza masculinidad de un país cercado por sus antiguas tradiciones y pobló de bellas imágenes homoeróticas el mundo de occidente que miraba solamente desde entonces al país nipón como una fuente de Geishas, olvidando la belleza del nuevo samurái.

Tamotsu Yato en 1970

Por Félix Esteves

HAMMERSHOI... LA PINTURA DEL GRITO CONTENIDO... DEL SILENCIO DESESPERADO

Vilhelm Hammershøi nació en la fría ciudad de Copenhague el 15 de mayo de 1864 en el seno de una humilde familia luterana. Fue un pintor danés que trabajó sobre todo en su ciudad natal, realizando retratos, paisajes y especialmente una serie de interiores por los que se hizo muy conocido.  Hammershøi también pinto paisajes de Londres donde se muestra la soledad de la nocturnidad londinense cuando la visitó a principios del siglo XX y que le inspiró neblinosas escenas invernales. El pintor muere en su ciudad natal el 13 de febrero de 1916.

Hammershøi era hijo de un vigilante de un comercio y comenzó a tomar clases de dibujo con 8 años debido a su brillante talento. Más tarde fue a la Kongelige Akademi for de Skønne Kunster (Academia de Bellas Artes de Copenhague) con Frederik Vermehren, entre 1879 y 1884. También estudió con Frederik Rohde, Vilhelm Kyhn y Peder Severin Krøyer y consiguió un gran éxito internacional muy pronto.

En 1891, se casó con la hermana de un colega y compañero de trabajo, Ida Ilsted, con quien vivió en Copenhague hasta su muerte en 1916. Ida es un tema frecuente en sus cuadros y en los de su hermano, Peter Ilsted. Tras la muerte del pintor, sus cuadros fueron cayendo en el olvido, en gran parte debido a tendencias vanguardistas que inundaron todo el continente, y su obra así fue considerada démodée y demasiado fría y apacible para aquellos tiempos modernos y de gran movimiento y colorido como los istmos pictóricos que se desarrollaban en París y Berlín.

Con el resurgimiento del simbolismo en los últimos años, sus cuadros han vuelto a estar en el punto de mira y sus obras han vuelto a ganar popularidad en museos daneses, el Musée d'Orsay de París o el Solomon R. Guggenheim Museum de la ciudad de New York.

Hammershøi fue un pintor de interiores, de habitaciones escasamente amuebladas donde los tonos tristes de los grises y azogados plateados rezuman e inundan el espacio de una gran tranquilidad que raya en la melancolía y la tristeza, otros parecen ser poblados por el silencio y la quietud exacerbante del mutismo  casi letárgico muy propicio para la abstracción apesadumbrada típica de los hombres luteranos y escandinavos.

La pintura de Vilhelm Hammershøi reboza silencio y vacio, su estilo apacible, neutro, clásico y a la vez moderno parece reflejar la tristeza contenida de un hombre que vivió con la infelicidad de un matrimonio marcado por la soledad y ausencia de hijos, y los traumas de una esposa que creía ser heredera de la locura de su madre.

Hammershøi plasma en sus obras los lugares vacíos y austeros para transmitir el mundo interior que no puede ser visto, pero sí sentido. Sus cuadros son como gritos ahogados que desesperadamente quieren ser escuchados pero que quedan atrapados en las cadenas del más cruel silencio.

Por Félix Esteves

GIAMBATTISTA VALLI: el regreso del Glamour de la "Dolce Vita"

Según el diseñador italiano Giambattista Valli “Lo más hermoso de la alta costura es la devoción". Y estas palabras en la boca de este artista de la moda no se van al aire ni se esconde en las paredes de su taller, la devoción se encuentra en cada tela tocada por sus magistrales manos, en el diseño dibujado en el blanco papel y en el vestido bien logrado que se modela en la runway como cuando lo pasea y lo disfruta alguna de sus distinguidas clientas.

El trabajo de Valli es indiscutiblemente reconocido por su esmerada línea que aunque muy moderna se mantiene fiel a las formas de los clásicos de la alta costura sin obviar el confort ni la elegancia.

Giambattista Valli no es un improvisado de esos que abundan en el mundo de la moda, desde muy pequeño copiaba los dibujos de Yves Saint-Laurent, donde descubrió que la silueta identifica al diseñador. Estudio Arte en Roma y su educación se fortaleció porque trabajo primeramente con grandes nombres y casas de modas como Fendi, Ungaro, Krizia, Roberto Capucci, Cecilia Fanfani, entre otros muchos.

En 2003, el diseñador italiano Valli presentó su primera colección en Paris, aunque esta diseñando desde 1995. Sus minivestidos de chiffon causaron sensación en la prensa especializada y en las damas que vieron su desfile. El estilo de Giambattista Valli es femenino y simple. Sus prendas están realizadas con telas lujosas, una sastrería impecable y finísimos detalles. Valli utiliza una paleta amplia de colores, sin embargo, en la mayoría de sus colecciones el negro es uno de los más destacados.

Un motivo recurrente que el diseñador pretende simbolizar siempre en sus desfiles y colecciones es que la alta costura es un "trabajo en progreso" a pesar que sus creaciones  están basadas e inspiradas en décadas pasadas. La arquitectura de sus vestidos nos recuerda a la elegancia de Capucci y a la “Belle et Haute Couture”  de la Dolce Vita de principios de la década de los sesenta.

Igualmente el diseñador italiano, ya bastante tiempo residenciado en la Ciudad Luz es   asiduo a la utilización de telas glamorosas como el chiffon, delicadas gasas finamente plisadas, como también del “Animalier Prints” donde crea bellísimos diseños sin llegar a aburrir o vulgarizar la silueta femenina.

Ponerse un Giambattista Valli no es simplemente estar a la moda o vestir con estilo, es realmente llevar como segunda piel una espectacular obra de arte.

Por Félix Esteves

PAUL VERLAINE Y ARTHUR RIMBAUD: el amor homoerótico entre dos poetas malditos.

Paul Verlaine y Arthur Rimbaud tuvieron el inverosímil hábito de desfigurar sus vidas, y lo que pudo ser unas vidas de éxito y glamour, las convirtieron en una terrible pesadilla. Ambos fueron individuos excesivos, insignes escritores que rayaban hasta la locura, y de  ese mundo que inventaron tanto separados como juntos lleno de extravagantes desvarios les quedo el nombre de escritores malditos y para la historia de la literatura han quedado como dos de los más fundamentales poetas de finales del s. XIX.

Tanto Verlaine como Rimbaud fueron personajes complicados que a pesar de sus genuinas y hermosas poesías sorprendieron a la sociedad de su época por sus rarezas y esquizofrénicas actitudes. Entre las singularidades que se le atribuyen a Paul Verlaine sobresale el intento de asesinar a su madre, a su mujer, a su hijo y finalmente a su amado Rimbaud. A su mujer, también intentó quemarle los cabellos y cortarle las manos y en otra ocasión lanzó a su hijo, aún bebé, contra la pared, el pequeño sobrevivió gracias a la abrigada ropa que llevaba que amortiguó el golpe.

Rimbaud

Arthur Rimbaud, no se quedo atrás en sus locuras, con sólo dieciséis años ya se había ganado el sobrenombre de loco en la sociedad parisina. Rimbaud fue un niño terrible que blasfemaba en voz alta contra Dios, contaba a todo el mundo sus truculentos episodios sexuales, no sólo con sus amantes femeninos y masculinos, sino también aquellos pasajes de zoofilia. Muchos historiadores y biógrafos procuran justificar su actitud alegando que Rimbaud había vivido una brutal y cruel infancia sin padre y había sido violado por todo un batallón de soldados, lo que tuvo una doble secuela en el poeta, el horror como víctima de un hecho infame y un incomprensible atractivo hacia la degradación y la violencia de la transgresión múltiple.

Cuando  Rimbaud de diecisiete años y Verlaine de veintisiete se conocieron 1871 pronto sintieron el uno por el otro una fuerte atracción sexual, a la que se unió la común pasión por la bebida, el amor a la poesía y la exaltación enardecida hacia los hombres, formando desde el primer momento una pareja con una capacidad cognitiva única pero tormentosa. Rimbaud y Verlaine ampararon una relación que rozaba y se balanceaba entre el delirio y la pesadilla. Tomaban alcohol y se drogaban hasta desfallecer para superar los límites de la razón, del bien y del mal, y sobre todo, para liberarse de los falsos prejuicios sociales de un mundo aburguesado, decadente y absurdo que no aceptaba su amor homoerótico.

Al poco tiempo de llegar a París  Rimbaud se enemistó con todos los poetas parnasianos, que lo consideraron demasiado tosco, rudo y salvaje. Un día un poeta amigo se le  acercó  para enseñarle unos versos que tenía escrito y Rimbaud le respondió con un escupido.  Arthur Rimbaud niño se reveló como un belicoso, un demente y un provocador. Albert  Mérat que en aquella época  había publicado una suma de sonetos en apología al cuerpo de la mujer le respondió con un poema obsceno titulado “Soneto del agujero del culo”.

Verlaine

La ilación amorosa que mantuvieron los poetas fue una relación que se batió entre el amor y el odio que terminó de manera trágica, como fue también trágica el final de sus vidas. En los dos años que duró la complicada relación amorosa se hicieron daño mutuamente. Hubo maltratos tanto físicos como psicológicos, lágrimas, arrepentimientos, idas y venidas por distintas ciudades de Europa, escapadas que terminaban en regresos, escándalos que se hacían públicos, dolor y sobre todo mucha locura.

Paul Verlaine una vez más celoso y desesperado por la atención de su amante disparó sobre el joven poeta. Paul Verlaine dependía fuertemente del amor de Rimbaud que ejercía una fuerte atracción. Paul Verlaine era un hombre débil y contradictorio, un ser indefenso y mimado, profundamente inestable, necesitado de la autoridad permanente de un ser fuerte que lo guiara, y sin embargo inconformista, receloso y con un gran deseo de independencia.

El hecho violento ocurrió en la ciudad de Bruselas en 1873. Paul había amenazado con suicidarse ya tres veces si Rimbaud no regresaba con él, Rimbaud como siempre acudió a calmarlo y en cuanto se vieron juntos de nuevo comenzó el tormento: Alcohol, sexo y peleas. Verlaine viendo que no podía retener a su lado a su amante en los términos que él quería resolvió disparar y Rimbaud quedó herido de una mano  y Verlaine termino con una  condena a dos años de trabajos forzados después de un juicio público.

Se volvieron a ver una vez más, en 1875 a la salida de Verlaine de la cárcel. Aquella noche la pasaron de farra trincándose una borrachera como las de antes, pero terminaron cayéndose a puños como nunca lo hicieron  y finalmente el caos de su angustiosa relación termino para siempre entre sangre, moretones y llantos.

Leonardo di Caprio (Rimbaud) y David Thewlis (Verlaine) en la película anglofrancesa "Total Eclipse" de 1995
y dirigida por Agnieszka Holland.

Arthur Rimbaud no volvió a escribir más. Murió a los treinta y siete años de edad y con una sola pierna, entre tremendos dolores, como consecuencia de un tumor de hueso que se le declaró en la rodilla y que avanzó por todo el cuerpo velozmente. Paul Verlaine conoció la humillación progresiva de su talento y su persona. Murió íntegramente sólo a los cincuenta y dos años de edad, contagiado por una terrible sífilis, borracho y completamente arruinado.  

Aquí les dejo dos poemas de estos poetas marcados por la pasión desmedida y descontrolada de su amor:

SONETO AL AGUJERO DEL CULO

Oscuro y fruncido como un clavel violeta

respira, tímidamente oculto bajo el musgo;

el licor del amor todavía lo humedece

y fluye por el leve declive de las nalgas.

Filamentos parecidos a lágrimas de leche

lloran ante el aciago soplo que los arrastra

a través de guijarros de abonos arcillosos

hacia el declive que los reclamaba.

A menudo mi boca se acopla a su ventosa

y allí mi alma, del coito material envidiosa,

cavó su lagrimal feroz, su nido de sollozos.

Es la argolla extasiada y la flauta mimosa,

tubo por donde baja el celestial confite,

Canaán femenino de humedades nacientes.

Arthur Rimbaud (1854-1891)

MONTA SOBRE MÍ

Monta sobre mí como una mujer,
lo haremos a "la jineta".
Bien: ¿estás cómodo?... Así
mientras te penetro -daga

en la manteca  al menos
puedo besarte en la boca,
darte salvajes besos de lengua
sucios y a la vez tan dulces.

Veo tus ojos en los que sumerjo
los míos hasta el fondo de tu corazón:
allí renace mi deseo vencedor
en su lujuria de sueños.

Acaricio la espalda nerviosa,
los flancos ardientes y frescos,
la doble y graciosa peluquita
de los sobacos, y los cabellos.

Tu culo sobre mis muslos
lo penetran con su dulce peso
mientras mi potro se desboca
para que alcances el goce.

Y tú disfrutas, chiquito,
pues veo que tu picha entumecida,
celosa por jugar su papel
apurada, apurada se infla, crece,

se endurece. ¡Cielo!, la gota, la perla
anticipadora acaba de brillar
en el orificio rosa: tragarla,
debo hacerlo pues ya estalla

a la par de mi propio flujo. Es mi precio
poner cuanto antes tu glande
pesado y febril entre mis labios,
y que descargue allí su real marea.

Leche suprema, fosfórica y divina,
fragante flor de almendros
donde una ácida sed mendiga
esa otra sed de ti que me devora.

Rico y generoso, prodigas
el don de tu adolescencia,
y comulgando con tu esencia
mi ser se embriaga de felicidad.

Paul Verlaine (1844-1896)

HERNÁN GIMÉNEZ: Sincretismo y Pasión en el Arte de la "Tecnoimagen".

Hernán Giménez nace en Caracas, Venezuela el 6 de Enero de 1964. Realizó estudios de música, artes plásticas, arquitectura, diseño gráfico, fotografía, así como también incursionó en la danza tanto contemporánea como en el ballet clásico, este último, fue ejercido profesionalmente por algún tiempo. No obstante ejerce hoy como profesión el diseño gráfico y la fotografía.

La obra de este artista venezolano la podemos enmarcar dentro de las nuevas tendencias que han surgido de las nuevas tecnologías y que los estetas, historiadores del arte y crítica especializada ha llamado como “Tecnoimagen” y que comprende istmos como el Arte Digital, Web Art, Video Art, Pix Peinture, entre otros muchos.

En el trabajo de Hernán Giménez encontramos un fuerte sincretismo donde se mezcla la belleza de las artes que el artista ha experimentado a lo largo de su vida, así Hernán traduce en hermosas imágenes su delicada y homoerótica cosmogonía, cargada de contraste, y de un dinamismo a veces sensual y otras veces desesperado.

El arte de Giménez es el claro ejemplo de la evolución del arte, si el oleo represento ya hace bastante siglos una revolución en la pintura, y hace poco los pigmentos sintéticos ofrecieron a los impresionistas una nueva forma de pintar, las nuevas tecnologías nacidas a finales del siglo XX y principios del siglo XXI han sido para Hernán Giménez, los pinceles y paleta colorida para formar su obra artística.

La digitalización, el mundo secreto del píxel, en sí el mundo del computador, no ha sido una piedra en el camino de Hernán Giménez, como muchos teóricos han querido dar ver a las nuevas tecnologías como el medio que destruye el arte. Al contrario, en las imágenes intervenidas de Hernán podemos ver una pasión casi “caravaggezca” y una forma genuina de hacer arte. Hernán Giménez ha sabido adentrarse en la luz de los colores píxelados y las formas del mundo virtual y nos ha regalado un mundo que nos llena de placer visual tanto como una pintura de Velázquez o una obra de Boticelli.

Para conocer más sobre este artista puedes visitar el siguiente link:

http://www.artmajeur.com/?go=user_pages/display_all&login=hernangimenez

Por Félix Esteves

REINALDO ARENAS: la Amarga Derrota del Desencanto hecha Poesía.

TU Y YO ESTAMOS CONDENADOS

Tu y yo estamos condenados 

por la ira de un señor que no da el rostro

a danzar sobre un paraje calcinados 

a escondernos en el culo de algún monstruo.

Tú y yo siempre prisioneros

de aquella maldición desconocida.

Sin vivir, luchando por la vida.

Sin cabeza, poniéndonos sombrero.

Vagabundos sin tiempo y sin espacio,

una noche incesante nos envuelve,

nos enreda los pies, nos entorpece.

Caminamos soñando un gran palacio

y el sol su imagen rota nos devuelve

transformada en prisión que nos guarece.

SONETOS DESDE EL INFIERNO

Todo lo que pudo ser, aunque haya sido,

jamás ha sido como fue soñado.

El dios de la miseria se ha encargado

de darle a la realidad otro sentido.

Otro sentido, nunca presentido,

cubre hasta el deseo realizado;

de modo que el placer aun disfrutado

jamás podrá igualar al inventado.

Cuando tu sueño se haya realizado

(difícil, muy difícil cometido)

no habrá la sensación de haber triunfado,

más bien queda en el cerebro fatigado

la oscura intuición de haber vivido

bajo perenne estafa sometido.

ÚLTIMA LUNA

Por qué esta sensación de ir a buscarte

hacia donde por mucho que vuele

no he de hallarte.

Qué terror sin tiempo ahora me impele

a por sobre tanto terror siempre evocarte.

No ha de encontrar sosiego nuestra pena

(que hallarlo sería comenzar otra condena)

y por lo mismo jamás cesaré de contemplarte.

Luna, una vez más aquí estoy detenido

en la encrucijada de múltiples espantos.

El pasado es todo lo perdido

y si del presente me levanto

es para ver que estoy herido

(y de muerte)

porque ya el futuro lo he vivido.

Ésa, indiscutiblemente, ésa es la suerte

que por venir del infierno arrastro.

Extraña amante,

sólo me queda contemplar tu rostro

(que es el mío)

porque tú y yo somos un río

que recorre un páramo incesante,

circular e infinito:

un solo grito.

Reinaldo Arenas

Escritor cubano nacido cerca de Holguín (Aguas Claras), donde creció bajo el cuidado de su madre, numerosas tías y sus abuelos maternos. Su infancia transcurrió entre la pobreza y la miseria, pero lleno de amor de las mujeres que le rodearon, no obstante la saña del abuelo la tenía siempre encima pues el abuelo no le gustaban “ las muchas rarezas” (amaneramientos) del niño.

Reinaldo empezó a escribir a los 13 años, aunque la llegada de la Revolución, a la que se anexó como guerrillero, retardó su vocación hasta 1963, cuando empezó a trabajar en la Biblioteca Nacional y redactó Celestino antes del alba. Conoció y entabló amistad con Piñera y Lezama Lima. Su libro El mundo alucinante fue prohibido por contrarrevolucionario, y a partir de ese momento y en adelante tuvo que esconder sus manuscritos. 

Otra vez el mar, que ocultó bajo tierra y en el tejado, fue hallado y destruido, pero lo rehizo tres veces. El ambiente en Cuba se enrarecía: la campaña de la Zafra de los Diez Millones, en la que el escritor fue obligado a contribuir cortando caña en una plantación, y las torturas al poeta disidente Heberto Padilla fueron para Arenas síntomas de su arriesgada situación, como escritor que no se sometía al régimen y como homosexual, que trató de paliar al casarse con la actriz Ingrávida González.

En 1973 lo detuvieron por contrarrevolucionario y traicionado en su huida por su amigo Coco Salá, fue conducido al cuartel de Miramar, desde donde trató de salir de la isla en un neumático. Fracasó, como cuando quiso huir por Guantánamo, donde estuvo a punto de ser ametrallado. Durante dos meses se refugió entre la vegetación del Parque Lenin, hasta que la policía lo encerró en el castillo del Morro: dos años entre palizas e intentos de suicidio.

Tras perder dos dientes por las innumerables golpizas, obligado a realizar trabajos forzosos  y confesar por escrito para evitar torturas, obtuvo la libertad. En los cinco años siguientes asistió a las muertes de sus amigos Lezama Lima y Piñera, se enamoró del joven Lázaro Gómez. Hasta que se unió al éxodo de los marielitos y falsificó a mano su pasaporte para convertirse en Reinaldo Arinas y eludir la lista de los que no podían salir del país.

En 1980 consiguió salir de Cuba, como dije antes en la diáspora de los Mariel. Su llegada a Miami no fue fácil, muchos de sus compatriotas e intelectuales le dieron la espalda, y aprendió que un exiliado sin dinero no era nadie. Arenas deambulo por 10 años con su "alarido desesperado" por Venezuela, Francia, Portugal, Suecia, Dinamarca y España. En Estados Unidos, donde colaboró en la revista Mariel desde su fundación en 1983 hasta su cierre en 1987, acabó el repaso a su vida que había iniciado 17 años antes en el Parque Lenin.

Reinaldo Arenas sufrió persecución no solo por su abierta homosexualidad, sino por su resuelta y contundente oposición al régimen impuesto por Fidel Castro, que le cerró cualquier posibilidad de desarrollo como escritor e intelectual durante los años de mayor ostracismo cultural en la isla.

Reynaldo Arenas le es diagnosticado el virus de HIV en 1987, tres años después se suicida el 7 de diciembre.

Por Félix Esteves

AMY WINEHOUSE. Una talento musical único signado por la autodestrucción.

Amy Winehouse, la  cantante ganadora de un premio Grammy y que ha luchado contra problemas de adicción durante años, fue encontrada muerta este sábado 23 de julio en su apartamento en Londres, dijo la policía londinense. 

Amy apenas contaba con 27 años y en el poco tiempo de carrera artística había demostrado un talento único para cantar, especialmente jazz y blues, donde era considerada una de las mejores promesas. Su voz inusual, a veces gangosa y nasal, ronca pero dulce hizo recordar  los sonidos de la Motown, que mezclaba con la narración cruda del rap,  convirtiéndola  en una de los cantantes jóvenes más aclamadas de la década pasada, vendiendo millones de discos, ganó cinco premios Grammy e inició una moda británica retro-R & B, tendencia que continúa hoy por otros cantantes.

Igualmente, su voz de contralto acústicamente poderoso, su visceral forma de cantar, y su pasión desbordada en la interpretación le hizo ganar un sitial de honor en el mundo de la música contemporánea, pero desgraciadamente su fuerte adicción a las drogas y al alcohol, y su comportamiento autodestructivo mermaron su carrera, y llegó hasta costarle la vida.

La policía fue llamada por una ambulancia al apartamento de Amy Winehouse en Camden, al norte de Londres,  poco antes de 4:05 pm, según un comunicado de los propios agentes policiales. La diva, Winehouse,  fue declarada muerta en su casa.

Amy Winehouse canceló su gira europea el mes pasado después de una actuación en Serbia, donde fue abucheada por el público, después de tropezar por el escenario y olvidar sus letras, evidentemente estaba drogada y no podía cantar, hecho que hizo que se retirara del escenario. La cantante británica ha sido repetidamente tratados por abuso de drogas y alcohol y se quedó en el Priorato, una clínica de Londres que trata problemas de adicción, antes de una gira por Europa.

Winehouse, de descendencia judía, venía de un hogar humilde, era la hija de un taxista de Londres, pero en su hogar siempre se escuchaba jazz, hecho que la marco y desde muy temprana edad supo que su vida estaba destinada a la música y al espectáculo. Amy recibió su primera guitarra a los trece años y comenzó a escribir música un año más tarde. Al poco tiempo, empezó a trabajar actuando en vivo en los pubs de Londres, por la zona del famoso mercado de Camden Town. Un amigo, el cantante Tyler James, le dio un demo suyo a un productor, comenzando su carrera profesional a los 16 años. Firmó su primer contrato con la discográfica Island/Universal.

Su álbum debut, “Frank” del 2003 contenía influencias de jazz y a excepción de dos covers, todas las canciones estaban coescritas por Winehouse. El álbum fue bien recibido por los críticos quienes compararon su voz con la de la mítica Sarah Vaughan, entre otras. El álbum logró alcanzar el disco de platino en el Reino Unido y fue nominado a los Premios Mercury Music y a los BRIT Awards. En 2004, ganó un Premio Ivor Novello a la Mejor Canción Contemporánea por su single Stronger Than Me. El mismo año, la cantante se presentó en el Festival de Glastonbury y en el V Festival.

Pero su gran éxito internacional fue con su álbum de 2006 “Back to Black” y “Rehab”, canción en la que canta “Trataron de hacerme ir a rehabilitación / le dije que no, no , no.” Sus canciones muchas veces eran el eco de su autodestructiva y complicada vida personal. El 10 de febrero de 2008, se celebró la ceremonia de entrega de los Premios Grammy 2008, en que Winehouse resultó ser la gran ganadora de la noche, llevándose cinco de los seis premios a los que estaba nominada, entre ellos: Mejor nuevo artista, Grabación del año, Canción del año, Mejor interpretación femenina de pop por Rehab, además de Mejor álbum pop vocal por “Back to Black”, pero no pudo asistir a la ceremonia debido a que en un primer momento, Estados Unidos le denegó el visado debido a uso y abuso de narcóticos, y aunque esta decisión fue reconsiderada, el visado no llegó a tiempo para que la artista pudiera asistir a la gala. Finalmente intervino vía satélite desde Londres, interpretando dos de sus canciones más exitosas.

Pero ella también era igualmente famosa por las portadas de los tabloides británicos que mostraba su aspecto desaliñado, su aspecto anoréxico  y con los ojos rojos y adormilados. Muchos fans y su familia en repetidas ocasiones expresó su preocupación por su bienestar y la instó a romper la relación con su marido, Blake Fielder-Civil.

Los problemas con las drogas, el alcohol y su trastorno alimenticios (anorexia) vienen desde el 2005, esto ligado a sus relaciones amorosas complicadas y novios que incitaban su mal comportamiento y a seguir en el mundo de la autodestrucción no mermaron su capacidad para componer, pero el cuerpo es débil y poco a poco, la diva Amy fue perdiendo sus grandes dotes interpretativos y era común que se presentara en muy mal estado (afónica, drogada y borracha) en sus espectáculos musicales o conciertos. 

En una entrevista dada a la revista Rolling Stone en 2008, la Winehouse dijo: “Para ser honesta”… “soy joven, pero me siento como que no hay nada por qué vivir. Simplemente estoy en mi punto bajo.”

El mismo año, The Sun, un tabloide, publicó una foto de ella en la que ella estaba usando una pipa de vidrio de fumar lo que el diario dijo que era crack. Desde entonces, Amy Winehouse constantemente trató de volver al escenario y actuar, pero su salud continuó sufriendo. En 2009, fue tratada por deshidratación en un hospital de Santa Lucía tras desmayarse en una villa.

Amy Winehouse no es la primera cantante que muere a la edad de 27 años. Jim Morrison, Janis Joplin, Jimi Hendrix, Kurt Cobain y Brian Jones de los Rolling Stones tenían la misma edad. Amy viene a engrosar los mitos musicales rebeldes pero talentosos muertos a una temprana edad.

Por Félix Esteves